Category : Exposiciones
Me acuerdo que cuando era un niño, cada que pasaba junto a una pared rayada mis padres decían que los grafitis eran actos vandálicos que únicamente buscaban perjudicar a los dueños de las casas y bardas donde pintaban, marcar el territorio de las pandillas y acabar con el panorama urbano. Siempre me decían que eran algo así como una peste urbana y que debían de reprimir a todos los grafiteros. Con el tiempo entendí que mis padres estaban equivocados, que no todos grafitis o intervenciones urbanas son vandalismo, que muchos murales están cargados de la más impresionante expresión artística.
Para eliminar el prejucio que existe sobre el arte callejero, se creó el All City Canvas, un Festival Internacional de Arte Urbano que reúne a varios de los más grandes artistas urbanos nacionales y extranjeros y les da todo lo necesario para que intervengan diferentes muros emblemáticos de la Ciudad de México. Durante una semana, grandes artistas como ROA, Vhils (Alexandre Farto), Escif, Herakut, Sego, Interesni Kazki, Aryz, Saner y El Mac, entre otros, trabajaron en diferentes piezas monumentales en las que se puede apreciar el estilo único e inconfundible de cada uno.
Basta con rentar una bicicleta en los diferentes stands que se encuentran a lo largo de Paseo de La Reforma y seguir un sencillo recorrido desde Polanco hasta Tlatelolco, dando vuelta por el Centro Histórico, para observar los impresionantes murales del All City Canvas.
Un buen punto de partida es el Hotel W, donde Sego dejó un impresionante mural con el estilo que lo caracteriza. El recorrido continúa en el Hotel Reforma Avenue, en donde se pueden apreciar dos monumentales murales de Saner y El Mac. Más adelante, llegas al edificio de El Universal; ahí puedes apreciar el trabajo de Herakut y Interesni Kazki.
Una vez en el centro, a unos metros del Barrio Chino, llegas a un viejo muro del Edificio Dolores, que fue intervenido por Vhils. Realmente impresionante. De ahí, es momento de adentrarse en el cuadro principal del Centro Histórico, hasta llegar a República de Paraguay; es aquí donde puedes apreciar una increíble víbora emplumada (o podría parecer emplumada) sosteniendo unos roedores en su cola, un excelente trabajo de ROA. De ahí, puedes cruzar por la Lagunilla y Garbialdi hasta Tlatelolco. Te adentras hasta llegar a uno de los edificios con más historia en el país, hasta el Edificio Chihuahua. En uno de los costados de este inmueble, en el que se encontraban los oradores del Movimiento del 68, se puede ver un enorme mural realizado por Escif.
En lo personal, los últimos tres murales (Vhils, ROA y Escif) son los más impactantes, pues la forma en la que Vhils crea rostros realistas tallando las paredes viejas, y sin usar pintura, es realmente impresionante; por otro lado el estilo inconfundible de ROA intimida a todos los que pasan por República de Paraguay; además, el monumental mural de Escif logra capturar la escencia del lugar.
Lo único que queda es invitarlos a que tomen una bicicleta, su automóvil o unos zapatos cómodos para caminar y recorran los diferentes murales que quedaron como legado del All City Canvas; realmente vale la pena conocer las diferentes propuestas artísticas que están invadiendo las calles del mundo y eliminar nuestros prejuicios sobre el arte urbano.
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Fotografías cortesía de Sprite
Todos sabemos lo que es un sofá; un asiento con respaldo y brazos en el que dos o más personas pueden sentarse cómodamente. No importa si es grande o pequeño, acolchonado o duro, policromático o monocromático, largo o corto, alto o bajo, sencillo o complicado; no importa la tendencia que se quiera seguir, el diseño del sofá siempre estará limitado por su función: sentarse. Pero… ¿Qué pasaría si el diseñador se olvida de la funcionalidad al crear un mueble? ¿Qué pasaría si el creador juega con la función y el diseño?
Sofá: (Del fr. sofa, este del persa ṣoffe, y este del ár. clás. ṣuffah). 1. m. Asiento cómodo para dos o más personas, que tiene respaldo y brazos. RAE.es
El resultado de esta transición inconclusa entre el objeto escultórico y el objeto de mobiliario permite experimentar y divertirse al desviar al mueble de sus usos habituales. Un juego que distancia al objeto del diseño y lo acerca al arte. Una prueba de ello es “El Incómodo Sofá“, una interesante exposición en la que el artista, Ángel Ricardo Ricardo Ríos, retoma los diferentes muebles que podemos encontrar en un hogar y los descontextualiza para crear una experiencia artística que va mucho más allá de su función original.
“Gracias a esta grieta que se abre entre la indeterminación de los usos y la simultaneidad de las funciones, un objeto se presta a un diálogo juguetón, aprovecha las formas y los dominios semánticos de enseres que, por lo general, se alojan en entorns domésticos o urbanos reconocibles y extraños a la vez.” Museografía
La muestra es muy divertida, pues nos permite ver todo tipo de muebles que podemos llegar a reconocer por algunos de sus elementos o formas básicas, pero cuyo diseño trascendió la barrera de la funcionalidad, adentrándonos en un colorido y animado mundo surrealista en el que lo único que importa es el arte y la experiencia estética. Un universo artístico lleno de color, humor e ironía, en el que nos perdemos por un rato, admirando las diferentes esculturas de Ángel Ricardo Ricardo Ríos.
“La mueblería Ángel Ricardo es una fábrica de anomalías que impacienta por su hybrís, es decir, por su desbordamiento de las tipologías que nos sirven para catalogar los objetos, pero reconforta por el humor implícito con que materializa esa desmesura.” Museografía
Al final, la exposición que se presenta en el Museo Universitario del Chopo nos permite adentrarnos en el trabajo de un talentoso artista mexicano que busca crear nuevas propuestas visuales y artísticas a través de la deconstrucción de los objetos y sus funciones.
Datos Generales
Lugar: Museo Universitario del Chopo (Dr. Enrique González Martínez #10, Col. Santa María la Ribera)
Vigencia: hasta el 16 de mayo, 2012
Horario: Martes a Domingo de 10:00 a 19:00 hrs.
Costo: $30.00 general y $15.00 estudiantes con credencial vigente e INAPAM (Martes entrada libre)
Página web: www.chopo.unam.mx
Facebook: www.facebook.com/museouniversitario.delchopo
Twitter: @museodelchopo
Soy la multimamada // siempre doy todo y no me dan nada // soy la piñata brillante, raspada, // golpeada, rota y regalada. - La multimamada, Astrid Hadad
Astrid Hadad es mucho más que una simple actirz o cantante, es una socióloga que ha buscado capturar, entender y escenificar la “netafísica” del México profundo en todo su esplendor. Valiéndose de una melancolía histriónica, que deriva en una perfecta parodia, esta cabaretera “pone el chile en la llaga” y nos devela la nobleza y el cinismo del producto de “lo mexicano“. En sus presentaciones, esta mujer nos muestra los dos lados de México, por un lado el México del turismo, de las culturas populares y de las bellas tradiciones prehispánicas, y por el otro, el México desesperanzado, conformista, fragmentado, ignorante.
Las ideas de Hadad son una suerte de mayéutica picaresca en que el atuendo deja entrever que no es precisamente un museo ambulante de culturas populares. Las fuentes y las citas de representantes de la canción vernácula son francas y eso hace que la diatriba sea más poderosa. Museografía
Para sumergirnos completamente en el México que Astrid Hadad está representando, esta cabaretera contemporánea sale al escenario ataviada con impresionantes vestidos llenos de motivos mexicanos en los que se puede apreciar todo el folclor e idiosincrasia mexicana. De esta forma, la actirz puede modelar un vestido inspirado en algún cuadro de Diego Rivera o Frida Kahlo, la Frida Kahlo, el sincretismo de la tradición charra y el punk rock, la vida en la Ciudad de México, el Día de Muertos, la influencia y la presión de Estados Unidos sobre México, entre muchas otras escenas del México contemporáneo.
“Surrealismo: Movimiento político mexicano que intenta convencernos que la realidad que vivimos es solo producto de nuestra imaginación” Astrid Hadad
Todos los vestidos que modela Astrid Hadad están cargados de una poderosa, pero balanceada, mezcla entre humor y crítica que los hace únicos. Vestidos que dialogan con el espectador, aun sin la necesidad de que haya algún interlocutor, simplemente hablan por si solos. Atuendos que van más allá de su portadora y se convierten en testigos del espíritu de Astrid Hadad. Para que podamos adentrarnos en la mente de esta talentosa artista mexicana, el Museo Universitario del Chopo montó la exposición “Por mi espíritu hablarán mis trajes“, una impresionante muestra de los trajes que ha usado Astrid Hadad en sus diferentes presentaciones.
“Muertos no son los que reposan en la tumba fría, muertos son los que tienen el alma muerta y viven todavía.” Astrid Hadad
La exposición se convierte en un paseo por la cultura e idiosincrasia del mexicano, por los matices de la tierra del mezcal y del tequila. Una muestra que, además de encantarnos con la churrigueresca moda de Astrid Hadad, nos lleva a una interesante reflexión, siempre conducida con citas y videos de la actriz, sobre todo lo que representa ser mexicano. Una muy interesante forma de conocer a una cabaretera contemporánea que ha hecho historia y reflexionar sobre el país en el que estamos y el que queremos. Una excelente actividad para pasar un sábado en compañía del arte, la sátira y la familia.
“Visite Estados Unidos, antes de que Estados Unidos lo visite a usted” Astrid Hadad
Datos Generales
Lugar: Museo Universitario del Chopo (Dr. Enrique González Martínez #10, Col. Santa María la Ribera)
Vigencia: hasta el 27 de junio, 2012
Horario: Martes a Domingo de 10:00 a 19:00 hrs.
Costo: $30.00 general y $15.00 estudiantes con credencial vigente e INAPAM (Martes entrada libre)
Página web: www.chopo.unam.mx
Facebook: www.facebook.com/museouniversitario.delchopo
Twitter: @museodelchopo
No cabe duda de que en Iberoamérica contamos con una impresionante oferta cultural que es fruto del choque de dos culturas. La herencia indígena dejó un importante legado estético y de tradiciones que se adaptaron de una u otra forma a los usos y costumbres, así como a las técnicas, españolas. El resultado fue un sinfín de artesanías llenas de color, de alegría y de tradiciones. A través de las artesanías podemos mantener viva y difundir la tradición iberoamericana. No hay nada como regalar una artesanía a un extranjero o a nuestros anfitriones cuando salimos del país, como un detalle de agradecimiento y como una forma de llevar nuestra cultura más allá de las fronteras.
Por tradición, el oficio del artesano se hereda de generación en generación, permitiendo que los alumnos superen al maestro, mejorando la técnica y aportando nuevos elementos e ideas estéticas a sus obras. Con esto, logran crear impresionantes piezas que dejan a un lado su esencia de artesanía y pasan a convertirse en verdaderas obras de arte. Son estos Grandes Maestros del Arte Popular Iberoamericano los que logran trascender con su arte y demuestran que en Iberoamérica hay un enorme talento.
Y para que podamos conocer el talento de esos grandes artesano, el Palacio de Cultura Banamex presenta la exposición Grandes Maestros del Arte Popular Iberoamericano; una impresionante muestra en la que se pueden apreciar un sinfín de artesanías que fueron creadas en los diferentes países iberoamericanos. En el recorrido se pueden encontrar todo tipo de objetos decorativos y funcionales que han sido tradicionales a lo largo del continente; desde juguetes, hasta hamacas, pasando por zarapes, vasijas, figuras de papel maché y cartonería, árboles de la vida, instrumentos musicales, máscaras, muebles y accesorios, entre muchas otras cosas.
450 artesanos de 22 países de Iberoamérica se reúnen en el Palacio de Cultura Banamex, para deleitarnos con el Arte Popular Iberoamericano y recordarnos que nuestras costumbres y tradiciones siguen vivas, a pesar de que muchas personas las hemos dejado a un lado. La exposición Los Grandes Maestros del Arte Popular Iberoamericano nos da la oportunidad de acercarnos al nuestras raíces y de reconocer la belleza de nuestras culturas. Una excelente oportunidad para apreciar el arte y la cultura iberoamericana sin ir muy lejos.
Datos Generales
Lugar: Palacio de Cultura Banamex (Madero #17, Centro Histórico, Ciudad de México)
Horarios: Miércoles a lunes de 10:00 a 19:00 horas. Martes cerrado.
Vigencia: hasta el 30 de junio del 2012
Costo: Entrada libre
Página web: fomentoculturalbanamex.org
Página de la expo: www.fomentoculturalbanamex.org/gmapi
Facebook: www.facebook.com/pages/Fomento-Cultural-AC/209084145820832?sk=wall
Twitter: @FomentoCulturAC
**Fotografías tomadas de la página web de la exposición**
Sueño: Acto de representarse en la fantasía de alguien, mientras duerme, sucesos o imágenes. (RAE)
El subconsciente es muy poderoso, a través de los sueños nos devela nuestras preocupaciones, miedos, deseos y fantasías. Es durante estos viajes oníricos que podemos explorar nuestra psique en busca de los elementos y las claves que nos permitan conocernos y reconocernos. Travesías surreales que nos permiten recorrer nuestra mente, mostrándonos todo lo que nuestro consciente no quiere ver o entender. Paseos a través de los caminos del inconsciente que, al momento de llevarlos al plano de lo consciente, nos permiten saltar entre dos mundos paralelos que conviven en el mismo tiempo y espacio, nos permiten pasar del mundo real al mundo de los sueños, a través de la concientización de lo imaginario.
Subconsciente: Estado inferior de la conciencia psicológica en el que, por la poca intensidad o duración de las percepciones, no se da cuenta de estas el individuo. (RAE)
Esa transición que se logra a través del imaginario, es el centro artístico que Zavet, artista plástica y fotógrafa mexicana, busca analizar a través de su arte, con la finalidad de entender los sueños y estudiar la mente y el comportamiento a través del estado consciente e inconsciente del Ser Humano. Por lo mismo, Zavet nos invita a un mundo surrealista escondido en el subconsciente y que, en un esfuerzo por develarse a nuestro consciente, se manifiesta a través del arte. En la búsqueda por mostrarnos la magia de ese mundo de sueños, logra una simbiosis entre lo abstracto y lo tangible; invitando a transportarnos a cualquier lugar y situación, con sólo cerrar los ojos y dejar volar nuestra imaginación.
Sueño: Cosa que carece de realidad o fundamento, y, en especial, proyecto, deseo, esperanza sin probabilidad de realizarse. (RAE)
En la exposición Teleportaciones, Zavet nos invita a un mundo de fantasía, en el que una noble guía nos lleva por diferentes paisajes, mostrándonos la magia y la belleza de nuestro mundo. La exhibición que se presenta en LaVamp Store presenta una serie de fotografías llenas de optimismo y alegría; imágenes que nos permiten olvidarnos por unos minutos de todos los males que nos rodean y dedicarnos a disfrutar de la belleza del mundo a través del arte de Zavet.
Arte: Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. (RAE)
No cabe duda de que darse una vuelta por LaVamp Store, para conocer la propuesta de esta talentosa artista mexicana, es una excelente oportunidad para alejarse de todo y disfrutar en un mundo onírico cuya única limitación es la imaginación.
Si quieres conocer más sobre Zavet, puedes hacerlo en:
Página web: www.zavet.com.mx
Facebook: www.facebook.com/Zavet.com.mx
Twitter: @zavet
Datos Generales de la Exposición
Dirección: Insurgentes #257, esq. Álvaro Obregón , Col. Roma, Ciudad de México
Vigencia: Hasta el 22 de mayo
Twitter: www.twitter.com/lavampstore
Facebook: www.facebook.com/lavampstore.fashion
Página web: lavampstore.blogspot.com
Lo primero que logras ver es la cabeza de la estatua del Ángel de la Independencia que se cayó durante el temblor de 1957. Está tirada a tus pies, aplastada y cuarteada con una fuerza impresionante; atrás de ella, una enorme bandera negra. Avanzas unos metros y te encuentras con un tradicional expendio de banderas, de esos que son tan típicos en el mes patrio, pero en vez de tener banderas de México, está repleto de banderas de negras y rojas, banderas de huelga. Continúas tu camino hasta encontrarte con un payaso cansado de los engaños del mundo contemporáneo y que, por lo mismo, se dedica a predicar los errores del consumismo. Es un Ronald McDonald que abrió los ojos y descubrió la verdad sobre la empresa para la que trabajaba.
“Minerva Cuevas es una de las figuras más presentes y respetadas en el medio artístico contemporáneo, al generar proyectos que tienen como eje rector la investigación social. Desde hace años Cuevas ha trabajado diversos temas vinculados con la globalización, cuestionando los mecanismos operativos del sistema capitalista.” Museografía
Estás iniciando un recorrido a través del mundo y las ideas de Minerva Cuevas una artista conceptual mexicana que, con su arte, busca cuestionar los tiempos hipermodenos en los que vivimos. Esta exposición nos lleva de la mano a través de una serie de reflexiones sobre la sociedad consumista en la que nos hemos sumergido de una manera irracional.
“En reacción a las hegemonías económicas y políticas impuestas por las plataformas de poder, Cuevas ha insertado elementos que alteran las relaciones que las mantienen firmes. En este sentido, ha explorado rutas de producción cultural como son la geopolítica, la ecología social o la ciencia prehispánica, y cuestionando los conceptos de democracia, progreo y civilización.” Museografía
Haciendo uso de diferentes íconos de la cultura comercial, Minerva Cuevas, nos muestra el otro lado de la moneda; nos invita a conocer todo lo que está detrás de las marcas que nos son tan familiares, llevándonos a una introspección sobre nuestra propia vida y la marca que dejamos en la sociedad al consumir. ¿Vivimos en un modelo social correcto? ¿Es justa esta sociedad? ¿Nos han orillado a consumir irresponsablemente? ¿Qué puedo hacer para cambiar el rumbo de la sociedad? Algunas de las preguntas que te surgen después de recorrer la exposición en el Museo de la Ciudad de México.
“…un giro a veces ligero que al confrontarse con lo que sabemos de estas marcas, y lo que tienen detrás, basta para plantear una crítica implacable.“ Cristina Faesler, Directora del Museo de la Ciudad de México
Una de las piezas más interesantes de la exposición es la pequeña instalación en la que se puede apreciar un gran número de latas de Puré de Tomate de Del Montte, pero una vez que te acercas, te das cuenta de que la etiqueta devela el verdadero contenido de la lata: “Pure Murder“. Una fuerte confrontación con la imagen que conocemos de esta marca. Durante la exposición también puedes ver diferentes acciones de activistas, contra el consumismo. A través de fotografías, estampas y panfletos, puedes recorrer el mundo y conocer las diferentes formas que se han dado en el mundo, para luchar contra el consumismo irresponsable.
“¿Puede el arte mantenerse al margen de la reflexión y la crítica de unas condiciones totalmente inhumanas?” Cristina Faesler
Al final, la exposición de Minerva Cuevas, en el Museo de la Ciudad de México, nos ayuda a reflexionar sobre la sociedad hipermoderna en la que nos encontramos, mientras que nos demuestra que el arte nos ayuda a conocer y, por ende, a transformar el mundo.
Sigue a la artista en Twitter como @ProyectosMC y en su página web www.minervacuevas.org
Datos Generales
Dirección: Pino Suárez #30, Centro Histórico, Ciudad de México
Precio: $24 pesos, $12 para estudiantes y maestros
Horario: Martes a Domingo de 10:00 hrs. a 18:00 hrs
Teléfonos: 55-42-00-83 y 55229936
Mail: museodelaciudaddemexico@gmail.com
Facebook: facebook.com/museodelaciudadmx
Twitter: @museomexico
Todas las culturas han buscado expresar sus creencias a través de diferentes ritos, danzas, cantos, historias y artesanías. Todas estas expresiones están cargadas de una energía divina y un sinfín de emociones y sentimientos que permiten, al artista, llegar a una catarsis que va más allá de lo terrenal. De esta forma, el artista, o artesano, no sólo expresa su religiosidad y su cultura, también pueden comunicar, de una u otra forma, sus sentimientos, ideales y contextos.
En un ejercicio de interiorización, la artista gráfica, Kari Mayo, partió de los ritos y creencias destinadas a ser tradiciones colectivas, retomó todos los elementos que ella siente suyos, sin importar si son de culturas familiares o lejanas, y creó su propia ceremonia. El resultado es la exposición “De Aquí a Mayo”, un mundo fantástico, lleno de colores y simbolismos, que se nos presenta a través de una serie de máscaras y amuletos con el sello gráfico característico de la artista. Un mundo en el que se puede distinguir la reverencia de la hermandad.
“Los Huicholes muestran reverencia a las fuerzas que gobiernan la vida. No llaman a estas fuerzas ‘Dioses’, sino Hermanos. Consideran a los dioses sus antepasados, mientras que los familiares que mueren pueden ser casi divinizados. Así, la muerte establece aun otro lazo con aquello que es sagrado” Kari Mayo
El trabajo de esta artista gráfica se caracteriza por el orden, que insiste en la geometría y la repetición, y la frescura de las formas y colores; además, durante toda su carrera, Kari Mayo, se ha adentrado en una búsqueda interna interminable, y casi obsesiva, por lo que en todas sus obras puedes ver una gran parte de su alma y pasiones. Por lo mismo, todas las piezas de la exposición “De Aquí a Mayo”, que se presenta en Gurú Gallery Shop, están llenas de color y emociones; llevándote a una catarsis que va más allá de lo terrenal.
No cabe duda de que, darse una vuelta por Gurú y conocer el trabajo de Kari Mayo, es una excelente forma de disfrutar del talento artístico nacional, y vivir una tarde agradable en compañía del arte.
Datos Generales
Dirección: Colima #143 esq. Córdoba, Col. Roma
Horario: Lunes a viernes de 12:00 a 20:00 hrs. Sábados de 12:00 a 19:00 hrs. y Domingos de 13:00 a 18:00 hrs.
Teléfono: 55-33-71-40
Página web: www.gurugalleryshop.com
Si algo hemos aprendido en las telenovelas es que cualquier persona puede superarse fácilmente. Sólo se necesita conocer a alguna persona con dinero, seducirla, enamorarla, casarse con ella y vivir felices para siempre, no sin antes pasar por un sin fin melodramas que pretenden llevarte a la ruina. Arquetipos con los que gran parte de la población nacional, si no es que en todo el mundo, puede sentirse identificada, de una u otra forma, y, por lo mismo, han logrado que las telenovelas se conviertan en el género televisivo más popular en el país. Historias que buscan llegar a nuestros corazones para hacernos llorar junto a los protagonistas de los dramas que vemos todos los días en el Canal de las Estrellas.
Para reflexionar sobre el poder que tienen las telenovelas sobre los televidentes, así como para pensar sobre la influencia de las grandes televisoras mexicanas, el artista alemán Christian Jankowski tomó un episodio de la popular telenovela, que es transmitida en este momento al aire, La Que No Podía Amar (Televisa), y lo deconstruye a través del llanto y las expresiones de sufrimiento sin palabras. En vez de que haya diálogos, todos los personajes se comunican llorando. Con ello. “Janowski exalta la esencia del género del melodrama, entablando así un diálogo entre un medio de comunicación masivo y las estrategias del arte contemporáneo“. (SAPS)
En su búsqueda por entender la relación entre el arte y la política, el artista alemán, además de presentar la relación de poder con las telenovelas, se inserta en la paradoja de la izquierda mexicana de principios del siglo XX; retomando una fotografía que tomó David Alfaro Siqueiros, en la que se puede ver la dualidad de la política mexicana: la mano de una elegante y refinada modelo, sosteniendo una broca, representativa de la clase obrera y del carácter laboral. Jankowski retomó esta fotografía y la convierte en una enorme escultura en la que se puede apreciar la ironía que caracteriza la estrategia artística de el expositor.
La exposición “Llanto por la marcha de la Humanidad” de Christian Jankowski nos permite reflexionar sobre las relaciones de poder, la dualidad de la política mexicana (especialmente de la izquierda) y adentrarnos en el trabajo de un talentoso artista emergente, así como conocer una faceta difernte de David Alfaro Siqueiros. Por lo que, realmente vale la pena, darse una vuelta por la SAPS (Sala de Arte Público Siqueiros) y disfrutar del arte, mientras reflexionamos sobre la política nacional.
Datos Generales
Lugar: Sala de Arte Pública Siqueiros (Tres Picos #29, Col. Polanco, Ciudad de México)
Precio: $12. Estudiantes, maestros y jubilados entrada libre, con credencial vigente.
Domingos entrada libre para todo el público.
Horario: Martes a domingo 10:00 a 18:00 horas.
Vigencia: 8 de abril del 2012
Página Web: http://www.saps-latallera.org/
Twitter: @SAPS_LaTallera
Facebook: www.facebook.com/pages/Sala-de-Arte-P%C3%BAblico-Siqueiros/141613611521
El siglo XX fue un siglo de tensión política y social; un centenario de grandes guerras y conflictos internacionales, de revoluciones y golpes de Estado, de luchas por los Derechos Humanos, dictaduras y democracias, de genocidios y desapariciones forzadas, de espionaje y diplomacai, de avances científicos y tecnológicos. Cien años en los que se redefinió el rumbo que tomaría la sociedad contemporánea.
Para poder entender en dónde estamos parados, no sólo es importante conocer la historia del siglo XX, hay que realizar un análisis constante para poder comprender a fondo todo lo que sucedió y su por qué. Para ello, a finales de los años noventa, Fernando Bryce se dedicó a realizar un interesante análisis de la historia del siglo XX a través del arte. Este artista, encontró una manera diferente y llamativa de representar la memoria histórica, permitiéndonos adentrarnos en la historia, de una manera lúdica y estética.
“Su método -el cual denominó tempranamente como ‘análisis mimético‘- se basa en l copia de documentos oficiales, imágenes de prensa, propaganda política o anuncios de publicidad, articulando series de dibujos que revisan las relaciones de poder y su mediatización en la historia del siglo XX.” MUAC
Con la finalidad de que reflexionemos sobre los problemas contemporáneos y de presentarnos el trabajo de Fernando Bryce, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) presenta la muestra “Dibujando la historia moderna“; una enorme exposición en la que se puede apreciar, por primera vez, las series más ambiciosas de este artista peruano. La exhibición nos lleva de la mano a través de los más grandes sucesos políticos y sociales del siglo XX, mientras los contrapone con algunos de los eventos artísticos, principalmente cinematográficos.
“Mediante la representación (en el sentido más literal de volver a mostrar), a través de la copia o de la simple puesta en escena de documentos y objetos, Bryce genera instancias de parodia e ironía como armas para poner en evidencia los prejuicios subyacentes a los discursos oficiales comúnmente aceptados.” MUAC
“Dibujando la historia moderna” nos permite reflexionar sobre la situación económica, política y social en la que nos encontramos hoy en día, mientras nos invita a disfrutar del arte. Una excelente manera de pasar una tarde de sábado o domingo.
Datos Generales
Lugar: MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporánea) Se encuentra dentro del Centro Cultural Universitario de Ciudad Universitaria.
Vigencia: Hasta el 3 de junio de 2012
Precio: $30 (entrada general) y $15 (estudiantes, maestros y adultos mayores).
Horario: Miércoles, viernes y domingos de 10:00 a 18:00; jueves y sábados de 12:00 a 20:00 horas.
Teléfono: 56-22-69-72
Página Web: www.muac.unam.mx
Twitter: @muac_unam
Facebook: www.facebook.com/pages/Museo-Universitario-Arte-Contempor%C3%A1neo/136104369755
México era un país violento y corrupto. Conocíamos miles de historias de personas que habían sido violentamente asaltadas afuera de su casa o del trabajo, sabíamos de los asesinatos y las luchas entre las diferentes bandas delictivas. Sabíamos del político corrupto que mantenía a los criminales fuera de la cárcel. Éramos una país desilusionado que vivía en hartazgo. Un México violento. Era una situación social insultante, pero no se comparaba con la situación del México actual, en el que parece que un gran número de ciudades y poblados a lo largo del país se han convertido en verdaderas sedes del infierno.
Ya no hay día en el que no aparezcan cuerpos decapitados, colgados, quemados o desmembrados. La noticia del hallazgo de una narcofosa ya no nos sorprende, sólo nos indigna. Salimos a las carreteras con temor de ser secuestrados por el narco. Ya no sabemos si podemos confiar en la policía, pues tenemos miedo de que los azules sean narcotraficantes o mafiosos encubiertos. La palabra “narco” ha pasado a formar parte de nuestro lenguaje cotidiano, convirtiéndose en una clase de fetiche. Hoy en día, y gracias a la guerra que sostiene el gobierno contra el crimen organizado, vivimos con miedo; vivimos en una paranoia constante.
“De una manera, siguiendo a Walter Benjamin, Giorgio Agamben ha señalado el hecho de que el nuevo orden mundial se construye desde hace unos años en el contexto de una ‘Guerra Civil legal‘, es decir, una forma de totalitarismo en el que se opera militarmente a través de un estado de excepción continuo, bajo la excusa de una amenaza mayor.” Javier Toscano
Como ciudadanos de un país que se encuentra en ruinas, necesitamos comprender en dónde nos encontramos, así como conocer las herramientas o instrumentos que pueden ayudarnos a estabilizar el estado político y social del país. Bajo este contexto, la Galería Metropolitana de la UAM presenta la exposición “Densidad: un testimonio de la inseguridad habitual generada por las democracias aparentemente protectoras de la sociedad“, una muestra en la que Enrique Ježik, Iván Edeza e Israel Martínez nos hablan de la cotidianidad que se vive en México, aunque también retoma a otros países.
¿Quieres conocer la exposición individual de Enrique Ježik en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC)? Checa: Obstruir, destruir, ocultar. Una retrospectiva de Enrique Ježik en el MUAC
Una revisión del contexto nacional visto desde la video instalación, con la finalidad de descontextualizar lo cotidiano a través del arte, y permitirnos reflexionar sobre las problemáticas en las que nos encontramos sumergidos. Una exposición que busca el involucramiento intelectual de sociedad, para buscar un mejor contexto nacional.
Datos Generales
Lugar: Galería Metropolitana (Medellín #28, col. Roma)
Telefonos: 55-11-19-64 y 55-11-08-09
Página Web: www.galeriametropolitana.mx
Horario: Lunes a sábado de 10:00 a 18:00 hrs.
Twitter: @gmetropolitana
Facebook: http://www.facebook.com/pages/Galer%C3%ADa-Metropolitana/116854508360231?sk=wall
